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[p=30, null, left]意象无限：就像逛市集那样[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]詹尼•杰特泽（Gianni Jetzer）意象无限展区总策展人[/p][p=30, null, left]对詹尼•杰特泽（Gianni Jetzer）来说，场地分配是最让人抓狂的。自2000年以来，詹尼已经连续担任了4年“意象无限”（Unlimited）展区的总策展，每年在展品布置上至少要花费10几天的功夫。[/p][p=30, null, left]如同它的名字，Unlimited，这是一个“不设限”的展区，打破传统结构框架，2015年共有74件作品参展，有雕塑、装置、壁画、录像投影，都是大体量，如何在17,000平方米的空间内有序安放又不显呆板就成了对策展人功力的最大考验。“就像把不同形状的积木装进同一个盒子里”，詹尼用手比划着说，“你要考虑每件作品的尺寸以及传递的信息，还要谋篇布局、规划路线”。这是一件影像作品，需要隔出一间暗房；这是一件声音装置，那么就别放在影像旁边，会相互干扰；这件作品需要一个开阔的场地，放在大厅中央好不好，会不会阻断参观路线；这是一个号召公众参与的互动项目，就安置在最后面吧，因为你不想看到观众一进来就挤在入口处排队体验的画面。[/p][p=30, null, left]“意象无限”展区向来有“艺术能量聚合之地”之说，也是巴塞尔艺术展上的人群密集之地。艺术家们喜欢在这里与观众“游戏”，来自里约热内卢的艺术组合Opavivará在现场支起了一个五颜六色的吊床，邀请观众躺在上面喝茶休息；艺术家大卫•史瑞格里（David Shrigley）的《生命模型》（Life Model）开辟了“临摹专区”，场地中央摆放了一个形象充满喜感的男子雕像，邀请观众坐下来为雕像素描。和“画廊荟萃”展区严肃的气氛不同，举家出游，亲子互动，这些都可以有。詹尼更喜欢称它为市集，“观众在这里随便走走，看看，甚至不需要思考什么”。于是，妙趣横生也成为他在布展时考虑的因素之一。[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]艺术家头脑中稀奇古怪的点子差不多都在这里了。他们负责创作，我负责收纳，17000平方米的空间交给你，作品也交给你，就好像一个有趣的游戏，非得动点脑筋，摆不下了当然就Game over，摆下了但是乱七八糟，观众在场子里走着走着就迷路了也是Game over，不可否认，过程很辛苦，可是很好玩。[/p][p=30, null, left]每逢展会落幕，会场被拆除的时候，詹尼都有些失落，他形容这种感觉就像看着自己亲手规划的一座公园被拆除，不过想想来年的新展，还是很期待。“你永远不会知道接下来会接手什么样的作品，会有哪些意外和惊喜”，尽管每次布展都要做无数遍计算，算作品的尺寸、算场地空间尺寸，修改无数遍方案，甚至推倒重来，“过程很辛苦，可还是很好玩”，詹尼乐在其中，“嗯，它是一个既需要脑力也需要体力的益智游戏”。[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]《Love Story》（爱情故事），2006–2014[/p][p=30, null, left]艺术家：刘窗[/p][p=30, null, left]这是一个混合了视、听觉的综合装置，艺术家从广东东莞收集了上千本出版于上世纪末的言情小说，像丛林寻宝那样找出书中读者用笔留下的记号：有情愫流露、诗歌创作、信的初稿，也有流水账、备忘、QQ号、随手涂鸦、老家地址……在这些私密性的书写和涂鸦里，他发现了寄居其中的另一种文学。[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]《Plastic Tree》，2014[/p][p=30, null, left]艺术家：Pascale Marthine Tayou[/p][p=30, null, left]这件装置作品来自艺术家对现实的关注。近百只颜色各异的塑料垃圾袋缠绕在“树枝”上，绚丽的颜色很是吸引人，同时也潜伏着危机，繁花枝头本是大自然中的一景，而繁花被塑料袋取代，自然被人造物侵犯。艺术家希望通过这种方式唤起人们对环境的保护。[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]《Stacked》，2012[/p][p=30, null, left]艺术家：艾未未[/p][p=30, null, left]上海产永久牌自行车，曾经风靡一时的大众消费品，曾经遍布中国的大街小巷，构成了一代人的集体回忆。随着城市的飞速发展，机动车大量涌入，宽阔的马路侵吞了骑行的小巷，人心也失去方向，看似飞速向前，却不知要去何方。艾未未用上百辆自行车创作出这件装置作品，有艺术评论如此描述，“在杜尚于1913年完成他原创的《自行车轮》现成物作品整整一百年后，艾未未重新创造出属于他自己的艺术车轮。通过使用一台老旧的中国自行车（永久牌），他将大量生产的常见街道车辆，转化成一个象征永恒重现的存在性符号”。[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]《OG-107 Scenery》，2012[/p][p=30, null, left]艺术家：Hector Zamora[/p][p=30, null, left]这件装置作品由八件青绿色的降落伞组成，在鼓风机的吹动下翩然摇曳，为展览现场增添了几许魔幻主义色彩。艺术家Héctor Zamora擅长户外环境作品，《OG-107 Scenery》首次展映时降落伞的个数是17个，降落伞采用了美国军方在1952至1989年间使用的颜色，并且都是被使用过的，虽然“退役”了，但并没有从空中落下。作品背后的创作理念是，挑战万有引力的限制，从而对政治结构进行批判。[/p]

[p=30, null, left][/p][p=30, null, left]《Disarm, Mechanized II》，2014[/p][p=30, null, left]艺术家：Pedro Reyes[/p][p=30, null, left]制造杀戮的枪械被扭曲重塑，制作成一组乐器，在定时器的设置下，用自动敲击的声响彼此呼应。除了这件作品，Pedro Reyes还创作了很多以枪械为媒材的其他作品，他希望借助艺术来抵制暴力，甚至解决更多社会问题。出生于墨西哥城的他对毒品和枪支犯罪深恶痛绝，他说，“我们在做一场圣战，我绝对相信艺术是产生社会变革的最佳途径，而我的使命是去说服墨西哥人放下武器。[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]《Formosa Decelerator》，2014[/p][p=30, null, left]艺术组合：Opavivará[/p][p=30, null, left]这无疑是展厅内最贴心的作品之一，艺术家支起吊床，大方地邀请观众躺在上面，吃冰淇淋、喝茶、刷facebook……和所有体验式艺术一样，不需要观众强制思考作品的意义，和所有博览会上的体验香蜜一样，这件作品人气高涨，展览期间共有近5,000人“睡”过。[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]《Food for Thought ‘Almuallaqat’》，2014[/p][p=30, null, left]艺术家：MahaMalluh[/p][p=30, null, left]沙特阿拉伯女艺术家MahaMalluh用从古董跳蚤市场挑选的铁锅“霸占”了近五米高的展墙，所有的锅，都曾被沙漠旅行者使用过，据说最大的一口，可以放下三只骆驼。一个关于食物的纪录片触发了这件作品的创作，艺术家想借此表达“食物的凝聚力”这一主题。有人调侃，这是“吃货”的终极哲学思考。[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]《… in continuum》，1987－1988[/p][p=30, null, left]艺术家：Emilio Vedova[/p][p=30, null, left]意大利艺术家Emilio Vedova的这件作品完成于上世纪80年代。同样的主题艺术家在五十年代的个展上也呈现过，由110件作品组成。作为“空间派”艺术运动的领军人物，她主张艺术创作应向更广阔的领域发展，由时间到达空间，将同一精神状态表现在音乐、建筑和绘画上。表现出新的感受性与空间概念。此派特重强调精神面重于型态面。艺术家用水墨画板搭建出的空间，安放精神世界里的种种心绪,并将其形象化。[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]《Arab Spring》，2014[/p][p=30, null, left]艺术家：Kader Attia[/p][p=30, null, left]作品的创作灵感来自埃及博物馆掠夺事件。革命结束后，博物馆还保留着在攻击过程中被打碎的陈列柜，用以纪念。艺术家使用了同一款陈列柜，每次展出时，都会用石头敲砸，毁坏，以重现当日的暴力情景，提醒世人，并以此思考战争与人类文明之间的微妙关系。[/p][p=30, null, left]走出展厅：别样洞天又一景[/p][p=30, null, left]公共项目：我们是否在同一天空下做梦[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]巴塞尔艺术展的精彩不仅仅局限于展厅之内。[/p][p=30, null, left]一个名叫《我们是否在同一天空下做梦》（Do We Dream under the Same Sky）的装置作品在展会的入口处。一眼望去，你完全不会将它和艺术联系到一起，竹竿凉棚、应季果蔬，开火下面……这更像是一个提供膳食与休憩服务的摊点。[/p][p=30, null, left]可它确确实实是一件装置艺术，2015年巴塞尔艺术展上的重头“展品”之一，创作者是一名概念艺术家、两名建筑师和一名厨师。早在巴塞尔艺术展开展前，艺术家Rirkrit Tiravanija在泰国北部村庄发起了一个名叫《The land》的项目，一块稻田，一个花园，几顶帐篷，任何人都可以自由进出，进行日常活动：在田里耕种，在帐篷里休息、煮饭、甚至开班授课。Rirkrit将《The land》的概念简化，带到巴塞尔艺术展上：不同国籍的陌生人在同一个竹棚下共享资源并回馈想法。[/p][p=30, null, left]竹棚下，工作人员搭起了灶台支起了锅，切水果、烤蔬菜、煮面……任何经过的人都可以自取碗碟，享用这顿免费午餐，而唯一的交换条件是洗碗、提问和聊天。如果愿意，你也可以洗菜烧饭，服务他人。[/p][p=30, null, left]Rirkrit动员了很多朋友加入这个项目，建筑师朋友Nikolaus Hirsch和Michel Müller被请来搭建竹棚，厨师朋友Antto Melasniemi则负责所需要的烹饪环节。巴塞尔和法兰克福的学生们也被招募进来，体验运作实验性厨房和尝试款待客人。Rirkrit对自然有着很深的迷恋，向往远离城市的土地上自由自在的生长，《the land》在远离城市霸权（包括艺术市场）的田野里，重新审视传统与创新、主流与另类、城市化与自然、私有与公共等议题。透过尖锐提问，孕育不受约束的艺术创作与思维模式，“这在泰国尤为重要，当地文化是不容许年轻人违抗长辈的意见，但我们知道年轻一代需要一个自由表达的地方。”Rirkrit说。[/p][p=30, null, left]于是，《我们是否在同一天空下做梦》也成为他探索自给自足这一生态循环概念的实验：烹饪的食材有在现场新鲜采摘的，也有附近超市快过期却仍能食用的，展览结束后，搭棚用的竹子也将运往泰国的《The land》项目基地，搭建新的多用途场所。尽管天公不作美，时雨时晴，前来捧场的观众依然络绎不绝，人们嘻嘻哈哈端着碗，排着长队盛捞免费面条，让艺术瞬间充满了人间烟火味。[/p][p=30, null, left]城艺之旅：艺术攻占城市[/p][p=30, null, left][/p][p=30, null, left]迄今为止，能够最准确描述“城艺之旅”的句子恐怕是“我不在展厅内看展览，就在展厅外看展览”。当抗议者举着黑色气球痛骂“巴塞尔艺术展是富人的走狗”时，“城艺之旅”已经在市政厅、博物馆、广场和剧院全面铺开。散步的人们在街头遇到的奇怪雕塑，十有八九就是艺术家们的又一个新的创意。[/p][p=30, null, left]自然历史博物馆是2015年巴塞尔艺术展“城艺之旅”项目的一个主力站点。艺术家Davide Balula的作品《冰淇淋》（Painting the Roof of Your Mouth－Ice Cream）是一间雪糕店。作品以其2012年到2014年间的系列画作《河流，被焚毁和被掩埋的画作》（River，Buried and Burnt Paintings）为蓝本，提供口味不同寻常的雪糕。这些雪糕由艺术家和米其林星级厨师Daniel Burns共同研发，销魂的口味包括木炭味、石墨味、亚麻布味和烟草味，好奇心强的勇士们可以在博物馆内的雪糕店或城中随机停靠的雪糕车那儿购买。[/p][p=30, null, left]和Davide Balula在“重口味”世界探索相比，艺术家Piero Golia则血腥得多，在巴塞尔市政厅内陈列的《无题—邪恶在好人无作为的地方滋生》（Untitled－Evil Exists where Good Men Do Nothing），展出了实物大小的断头台。在巴塞尔国家档案馆的庭院内，艺术家David Renggli效仿古希腊雕塑只残留人物形象其中一部分的方式，将涂有铝粉涂层的雕塑放置在一个底座上，让人联想到支离破碎的肢体。对比之下，艺术家Adriano Costa就显得小清新很多，他的创作主要来自个人经验，陈列在文化博物馆内的装置作品《如何在高跟鞋上隐身》（How to be Invisible in High Heels），由一系列单色石碑组合而成，石碑的不同高度代表了Adriano在米兰碰见的那些穿着高跟鞋的巴西变性人。而艺术家Ciprian Mureşan则另辟蹊径，他将地点选在巴塞尔木偶剧院，将经典文本重新演绎，他的剧场表演看似古典，但在其传统表象之外，他对使用技术性装置进行即兴而自主创作的重视，彻底颠覆观众对表演的认知。[/p]

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